Revista Movimento Movimento (100 anos da Revolução Russa) Movimento (100 anos da Revolução Russa): crítica, teoria e ação

Trinta anos sem o incendiário Peter Tosh

Com o objetivo de celebrar o legado revolucionário de Peter Tosh, morto há 30 anos, a Revista Movimento reproduz duas análises internacionais acerca da vida e obra do artista.

Reprodução
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Há exatos 30 anos, em outro 11 de setembro trágico, um latrocínio silenciava o legendário Peter Tosh (1944-1987). Autor de discos inovadores no desenvolvimento reggae, tais como Legalize it e Equal Rights, Tosh encontra-se, na opinião de muitos, em um patamar igual ou superior a Bob Marley – seu ex-companheiro de Wailers – na história da música jamaicana. Com o objetivo celebrar o legado revolucionário de suas canções e posicionamentos políticos (foi, por exemplo, uma primeiras celebridades a se levantar publicamente contra o apartheid sul-africano), a Revista Movimento reproduz duas análises internacionais, publicadas no decorrer da última década, acerca da vida e obra do grande Peter Tosh.

Peter Tosh (por Eric Doumerc)

Os anos de Wailers

Peter Tosh (Winston Hubert McIntosh) nasceu em 1944 na Jamaica em uma área rural e, como tantos de seus compatriotas, mudou-se para a capital em busca de melhores oportunidades e uma vida melhor quando ele estava no final da adolescência. No início da década de 1960, Tosh estava saindo pelas esquinas, tocando músicas no violão. Ele finalmente conheceu dois outros aspirantes a cantores, Bob Marley e Neville Livingston (Bunny Wailer), e eles começaram a escrever músicas e a ensaiá-las, sob a tutela de Joe Higgs, que até então já era famoso como membro do antigo R ‘n’B e do dueto de ska Higgs and Wilson. Higgs treinou os jovens cantores, ensinando-os a cantar em harmonia e a controlar a respiração. Em 1963, eles foram levados para o Studio One de Coxsone Dodd para uma audição do velho rastafari Mortimer Planno, que ganhou fama na Jamaica, saudando o imperador da Etiópia na saída do avião em sua primeira visita à Jamaica em 1966.

Os três jovens começaram uma carreira de gravação sob o nome de “The Wailers” ou “Wailing Wailers” e gravaram muitas músicas para Clement Dodd até que uma ruptura finalmente veio em 1966, por causa das crenças rastafariais do grupo e da falta de remuneração.

Em meados da década de 1960, os Wailers estavam no limbo, com Bob Marley nos EUA trabalhando para conseguir dinheiro a fim de fundar um selo, enquanto Peter Tosh e Bunny Wailer gravaram várias músicas sem Bob Marley. No retorno de Bob, o grupo começou a trabalhar para o jovem produtor Clancy Eccles, tentando impulsionar o próprio selo, gravando um álbum para o produtor Leslie Kong. Finalmente, encontraram Lee Scratch Perry entre 1969 e 1970, gravando dois álbuns para ele .

Naquela época, Peter Tosh havia iniciado uma carreira solo enquanto ainda era membro dos Wailers e havia gravado vários 45’s para os produtores Bunny Lee, Lee Perry e Joe Gibbs. Em 1972, os Wailers finalmente gravaram seu primeiro álbum para um grande selo, Catch a Fire (Island) e seu posterior, Burnin ‘, veio em 1973. O disco por uma grande gravadora internacional significava que o grupo agora deveria fazer uma turnê regularmente para promover os álbuns e também significou que os Wailers foram comercializados como uma “rock” com um líder em que os jornalistas e o público poderiam se concentrar. A turnê e a insistência em um líder visível exacerbaram as tensões no grupo em torno da escolha das músicas para serem gravadas e serem tocadas em público. Os Wailers trabalhavam como um grupo por cerca de dez anos e Tosh sentiu que suas músicas estavam sendo negligenciadas em favor das canções de Bob e que sua própria carreira era negligenciada.

As coisas aconteceram no início de 1973 depois de uma turnê britânica quando Bunny Wailer disse que estava saindo da banda. O grupo continuou sem Bunny por um tempo, percorrendo os EUA com Joe Higgs como um substituto e depois voando para a Grã-Bretanha sem Higgs para uma série de apresentações.

Em novembro de 1973, depois de um show em Northampton, Bob Marley e Peter Tosh trocaram socos e Tosh nunca mais fez turnês com os Wailers novamente. O grupo se dividiu oficialmente em janeiro de 1975, mas no final de 1973, os velhos Wailers já estavam acabados.

Durante esses dez anos nos Wailers, Tosh gravaria várias versões das mesmas músicas e desenvolveria um estilo que era marcadamente diferente do de Bob Marley ou do de Bunny Wilder. As músicas de Tosh pareciam refletir sua visão militante e visão sombria da vida, mas também um notável interesse pelo calipso e mento, além do gospel.

Ao gravar como Wailer no Studio One, Tosh demonstrou um interesse precoce pelo rock and roll gravando uma música que ele devia retornar várias vezes em sua carreira: “Can not You See”. Ele também estava claramente interessado em calypso e cantou primeiramente em uma versão da famosa música “Shame and Scandal”, bem como em uma reformulação do clássico “Archie Buck Them Up” intitulada “Rasta Shook Them Up” (1966) para celebrar a visita de Selassie à Jamaica em 1966. Os Wailers podem ter se familiarizado com essa melodia através da versão de Lord Creator gravada para Studio One e encontrada no LP Jamaica Time. Isso mostra a vontade de Tosh de experimentar e sua capacidade de recorrer a diferentes estilos musicais.

O interesse de Tosh em calypso ou mento também aparece em uma gravação posterior de 1971 intitulada “Leave My Business”, que é uma reminiscência da antiga música de “Nobody’s Business but Me Own”, gravada por Jackie Opel para Studio One.

Enquanto no Studio One, os Wailers gravaram uma canção influenciada pelo mento que Peter Tosh voltaria depois várias as vezes a tocar: “Maga Dog”. A música é baseada em um conhecido provérbio jamaicano que adverte contra ser muito amigável com as pessoas. Em outras palavras, a intimidade gera desrespeito:

“Desculpe fe Maga Dog,
Ele volta e morde você!
Salte para fora da frigideira,
Salte no fogo!”

Os Wailers também gravaram uma versão da velha canção espiritual “Sinner Man” em que Tosh assumiu os vocais e que é particularmente poderosa.

No final da década de 1960, os Wailers fundaram seu próprio selo, chamado Wail’N’Soul’M, que, embora de curta duração, levou algumas gravações muito boas de Peter Tosh, com Bob Marley e Bunny Wailer nos backing vocals. O primeiro desses singles, “Pound Get a Blow”, uma canção tópica sobre a desvalorização da libra britânica em 1967, apresenta apenas Bob Marley nas vozes de apoio, já que Bunny Wailer estava na prisão, mas é uma melodia poderosa por conta da condução da trombeta e da base “riddim”. Uma de suas músicas para o selo, “Fire Fire”, seria regravada por outros artistas reggae como Max Romeo e Niney the Observer.

Por razões financeiras, o selo dos Wailers colapsou e, no início de 1969, os Wailers começaram a gravar para Leslie Kong. Peter Tosh contribuiu com três faixas: um remake de “Can not You See”, “Stop That Train” e uma versão de “Go Tell It On The Mountain”, que mostra novamente o gosto de Tosh pelos espíritos. Nessa gravação, sua voz é alta e clara e seu tenor sobe sem esforço sobre o apoio musical. A letra de “Stop That Train” pode ter sido uma alusão à sua insatisfação com sua carreira nos Wailers:

“Toda minha vida, eu fui um homem solitário,
ensinando pessoas que não entendem
Embora eu tente o meu melhor, ainda não consigo achar felicidade
Pare o trem, eu estou partindo.”

Depois de se mudar para a empresa de Lee Perry em 1969-70, a produção de Tosh tornou-se mais sombria e militante com músicas importantes como “400 Years” e “No Sympathy”. “400 years” era sobre a situação na Jamaica alguns anos depois da Independência e talvez também sobre o fenômeno da delinquência juvenil:

“400 anos, e é a mesma filosofia.
400 anos, e meu povo ainda não consegue ver.
Por que eles combatem os jovens de hoje?
Sem os jovens, vocês todos teriam se perdido.”

Naquele tempo, Peter Tosh estava aprendendo como tocar melódica e sua habilidade neste instrumento pode ser conferida numa versão dub do hit “Trenchtown Rock” (1971) [pela Tuff Gong] que é muito movimentada.

Muitas das músicas que Tosh gravou no final da década de 1960 e início da década de 1970, como “Lawful Ruler” (1970, produzido por Lee Perry), “Black Dignity” (1971, Joe Gibbs), “Here Comes the Judge” (1971, Joe Gibbs ) e “Arise Black Man” (1971, Joe Gibbs) refletiram a crescente influência do movimento rastafari na época e a própria militância de Tosh, que estava ali desde o início.

Em 1971, Tosh teve um grande sucesso com uma nova versão do “Maga Dog”, originalmente gravado para Studio One, mas desta vez produzido por Joe Higgs. A música tornou-se popular entre os DJs e Winston Scotland lançou uma versão da música intitulada “Skanky Dog” em 1971, aproveitando a popularidade da música. Um ano depois, em 1972, em “Them A Fe Get a Beatin”, ele cantou sobre o crescimento da maldade, dizendo que não poderia “aguentar mais”.

No início dos anos 1970, Tosh lançou vários diatribes em seu próprio selo Intel-Diplo (abreviação de Diplomata Inteligente para Sua Majestade). Em “Can not Blame the Youth” (1972), Tosh condena o sistema de educação colonial que era o legado do domínio britânico na Jamaica, e esse sistema colonial era simbolizado na canção pela pelas rimas infantis que cada criança da escola tinha que aprender de cor . Na verdade, a “vaca saltando sobre a lua”, e o prato que foge com a colher são referências à conhecida rima infantil “Hey Diddle Diddle”:

“Você não pode culpar os jovens, você não pode enganar os jovens,
Você não pode culpar a juventude de hoje, você não pode enganar os jovens.
Você ensina aos jovens a aprender na escola que a vaca pula sobre a lua,
Você ensina aos jovens a aprender na escola que o prato foge com a colher.
Você não pode culpar os jovens (quando eles não aprendem), você não pode enganar os jovens,
Você não pode culpar os jovens, você não pode enganar os jovens.
Você ensina os jovens sobre Cristóvão Colombo,
E você disse que ele era um homem muito bom.
Você ensina os jovens sobre Marco Polo,
E você disse que ele era um homem muito bom.
Você ensina os jovens sobre o pirata Hawkins,
E você disse que ele era um homem muito bom.
Você ensina os jovens sobre o pirata Morgan,
E você disse que ele era um homem muito bom.”

O outro aspecto desse sistema de educação colonial foi a glorificação dos “feitos de armas” que resultaram na colonização do Novo Mundo por potências européias como a Espanha e a Inglaterra. A referência ao “pirata Hawkins” é particularmente apropriada uma vez que William Hawkins e seu filho John foram dois dos primeiros ingleses envolvidos no tráfico de escravos no século 16. Eles foram instrumentais na criação do comércio triangular entre a Inglaterra, a África e as Índias Ocidentais e eram notórios por sua crueldade. “O pirata Morgan “refere-se a Henry Morgan, um galês que fugiu de uma existência pobre em seu país de origem para trabalhar como trabalhador contratado nas Índias Ocidentais. Ele se tornou um pirata, cometeu muitas atrocidades antes de ser finalmente enviado de volta à Inglaterra para ser julgado por seus crimes. Ele foi então nomeado cavaleiro e tornou-se vice-governador da Jamaica em 1674.

Na música de Tosh, os piratas Hawkins e Morgan são mencionados no mesmo sentido que Cristóvão Colombo e Marco Polo, o que leva o ouvinte a concluir que Colombo e Polo também eram “piratas”.

O que é interessante em “Can not Blame the Youth” é o link que se estabelece entre a história violenta da Jamaica e a então alta taxa de criminalidade, ou o problema da criminalidade juvenil. O cantor conclui que o problema da criminalidade da Jamaica é um resultado direto da história da ilha e que a história levou a uma glorificação da violência e do machismo, daí as linhas “Quando cada Natal vem, você compra para a juventude uma arma de brinquedo bonita”.

A música logo se tornou parte do repertório ao vivo dos Wailers e uma versão agitada da música pode ser encontrada em Talking Blues (Island / Tuff Gong), a compilação de 1991 que apresenta as gravações feitas pelos Wailers para uma estação de rádio de São Francisco em outubro 1973 depois de ter sido lançada por Sly e a Family Stone em sua primeira turnê americana.

Outras músicas lançadas no selo Intel-Diplo de Tosh no início da década de 1970 são “Mark of the Beast” (1973), uma faixa apocalíptica sobre maldade em geral, “Burial” e “Hammer”, um canto dinâmico que insiste na idéia de “martelar” a Babilônia. A música já havia sido gravada pelos Wailers no final da década de 1960 para Danny Simms. No início da década de 1970, Tosh estava pronto para atacar sozinho.

Seus anos solo: 1976-1987

A carreira solo de Peter Tosh começou com o lançamento do Legalize It em 1976. O álbum foi bem recebido e a faixa-título foi um enorme sucesso na Jamaica depois que foi banido pelo governo por conta de suas letras pró-ganja. Na verdade, a música é um catálogo das muitas virtudes da maconha e também fornece uma lista das pessoas que a fumam. Isso se tornaria um tópico favorito com Tosh. O álbum incluiu uma mistura de faixas “conscientes” (“Igziabeher – Let Jah Be Praised”, “No Sympathy”, “Enteral”) e material mais leve (“Watcha Gonna Do”, “Why Do I Do You Cry”). Ainda era muito um álbum de Wailers com uma música co-escrita por Bob Marley (“Why Must I Cry”) e outra de Bunny Wailer (“Till Your Well Runs Dry”) que cantou o backup no álbum. Este álbum refletiu os dois lados de Peter Tosh: um lado terrível, sério e militante, e um mais popular, de coração leve. Algumas das músicas, como “Till Your Well Runs Dry” ou “Burial”, têm uma sensação blues e refletem o amor de Tosh pela guitarra como um instrumento. Outros, como “Watcha Gonna Do”, têm um sabor de mento-calypso.

Em 1977, Equal Rigths foi lançado; beneficiando-se da presença de Sly Dunbar e Robbie Shakespeare, a equipe de bateria e baixo que estava balançando o barco do reggae na época. Este álbum foi muito mais militante e político, com faixas firmes como “African”, o título-faixa (“Eu não quero paz, eu quero igualdade de direitos e justiça”), “Jah Guide”, “Apartheid” e ” Stepping Razor “- escrito por Joe Higgs, mas popularizado por Tosh. A música atingiu um público mais amplo graças à sua inclusão na trilha sonora do filme Rockers de Theodoros Bafaloukos. Para muitos entusiastas do reggae, o Equal Rights incorporou o que Peter Tosh representou – uma seriedade temida, uma posição militante e poderosas canções com fortes ritmos.

Tosh começou a fazer turnês com uma banda de reggae all-star liderada por Sly Dunbar e Robbie Shakespeare chamada “Word Sound is Power”, e em 1978 apareceu no show One Love Peace organizado pelos dois principais partidos políticos da Jamaica para trazer a paz para a Jamaica depois de anos de violência política. Dois “guardiões do gueto” – Bucky Marshall do Partido Nacional do Povo e Claudie Massop do Partido Trabalhista da Jamaica – entraram em contato com Bob Marley, exilado em Londres após a tentativa de assassinato da qual ele sobreviveu em 1976. Os três mais tarde se juntaram em Miami com a ideia de trazer Bob Marley de volta à Jamaica como um poderoso símbolo da paz e para mostrar às pessoas que uma nova era estava começando. O show ocorreu em abril de 1978 e apresentou a nata do reggae na época (Culture, Dennis Brown, Inner Circle, Leroy Smart). Peter Tosh concordou em se apresentar no show, mas seu desempenho foi diferente do que todos esperavam. Tosh fez um longo discurso e criticou o sistema de classe jamaicano e insistiu que poucas coisas mudaram desde os dias da escravidão, com os brancos no topo, os “browns” no meio, e os negros no fundo da escada social . Sua interpretação de “400 Years” ecoou esses temas: “Quatrocentos anos / E é a mesma filosofia de bucky-massa [latifundiária branca] antiga”. Esse desempenho já está disponível no CD Live no One Love Peace Concert (JAD Records, 2000). Tosh afirmou que o concerto não mudaria nada e punia a palavra “paz”: “A PAZ é o diploma que você consegue no cemitério. Visto de cima, você é um túmulo que é uma marca “Aqui Jaz de Bady de John Strokes, descanse em PAZ. Visto!”.” O cantor ardente também acendeu um grande “baseado” no palco, que ofendeu as autoridades e a polícia presentes. Poucas semanas após o concerto, Tosh seria preso pela polícia, levado a uma delegacia de polícia e severamente espancado.

One Love Peace Concert atraiu visitantes estrangeiros e naquele dia Mick Jagger estava no público e ficou tão entusiasmado com o que ele viu que ele ofereceu para lançar o próximo álbum de Peter Tosh.

Bush Doctor saiu em 1978 no próprio selo dos Rolling Stones, o que garantiu a grande publicidade recorde (boa e má) e ampla distribuição. O disco tinha um som totalmente diferente da Equal Rights, um som mais “internacional” influenciado pela música rock e pop. Guitarras e teclados também são bem evidentes e instrumentos de percussão. O grande sucesso foi um voverdo “Do not Look Back” de Temptations gravado como um dueto com Mick Jagger e que levou a várias aparições de TV em America do Norte. Três outras músicas (“Soon Come”, “I’m the Toughest” e “Dem Ha Fe Get a Beatin”) foram novas versões de músicas que Tosh gravou com os Wailers ou como artista solo no início da década de 1970.

“Bush Doctor” desenvolveu um tema de “Legalize It” – isto é, as muitas recompensas da maconha -, mas desta vez com um tom mais agressivo, tanto musical como liricamente. Duas faixas eram realmente surpreendentes: “Pick Myself Up” e “Stand Firm”. O primeiro é uma canção “sinta-se bem” sobre a necessidade de continuar a se preservar e enfrentar o adversário. O último é um tratado filosófico sobre o tipo de religião organizada que Tosh era famoso por não gostar. Na música, ele é abordado por vários personagens chamados de “Casaco e gravata”, “Roupa limpa” e “Cabeça Careca” que lhe dizem o que ele deve vestir roupas adequadas, ir à igreja e rezar para que Jesus seja salvo. “Bullshit!”, é a resposta dele. O que importa é o trabalho que você faz e a posição que você toma – como ele disse, “Viva limpo, deixe seus trabalhos serem vistos / Fique firme ou você alimenta vermes”. A guitarra que toca nesta faixa, provavelmente do guitarrista americano blues Donald Kinsey, é de primeira linha.

1979 viu o lançamento do segundo álbum de Peter Tosh no selo Rolling Stones: Mystic Man. Este álbum continha uma nova versão de “Can not You See”, uma faixa de rock que os Wailers gravaram para Coxsone e para Leslie Kong na década de 1960. A versão de 1979 teve um som mais agressivo e apresentou um violento solo de guitarra de Ed Elizade. No geral, o álbum foi um retorno à militância tingida de retórica de fogo e enxofre, mas com um som mais internacional, principalmente teclados e guitarras. “Fight On” e “Recruiting Soldiers” são o que os fãs do reggae já esperavam de Tosh, enquanto a faixa do título era uma palestra sobre os hábitos alimentares de um Rastaman distante da Babilônia, evitando hambúrgueres e refrigerantes. Outras faixas como “Crystal Ball” e “Rumours of War” foram profecias lúgubres sobre o estado do mundo e a incapacidade da humanidade de trabalhar pela paz. “Rumours of War” apresentou uma faixa de ritmo monstruoso impulsionada pela bateria de Sly Dunbar e o baixo de Robbie Shakespeare. Mas a faixa que mais levantou as sobrancelhas na época era “Buk-in-Hamm Palace”, uma música muito dançável e orientada a discotecas que soava como nada que Tosh ou qualquer artista de reggae já havia gravado antes. Dominada por uma linhas de som graves e pontuada por trombetas funky, a faixa tinha um tipo de som “futurista” graças ao uso de sintetizadores. A percussão adicionou uma sensação de latin ou discoteca. A letra era uma reminiscência do hit de 1976 de U-Roy “Chalace in the Palace” e estava a ponto de fumar um baseado com a Rainha no Palácio de Buckingham. A música também é sobre o poder da música reggae que tem uma “impressão” no cantor e coloca um “feitiço” nele. A pista é certamente hipnótica e altamente dançável. Foi lançado em um momento em que a discoteca foi cada vez mais popular na Europa após o lançamento da Saturday Night Fever, e pode ter sido uma tentativa de ganhar dinheiro.

“Buk-in-Hamm Palace” também foi lançado como um doze polegadas com “The Day the Dollar Die” do outro lado, uma onda totalmente diferente – grave, um reggae “consciente” sobre a influência dos EUA no mundo . Como o título indica, Tosh ressentiu essa influência e afirmou que as coisas iriam melhorar quando “Papai Dólar” morresse.

Depois de se apresentar no Reggae Sunsplash em 1980, Tosh lançou o LP Wanted Dread and Alive em 1981. A capa apresentou uma fotografia dramática de Tosh no estilo dos cartazes ‘WANTED’ do Wild West de filmes western. A faixa-título tinha uma sensação country-and-western e as letras usavam imagens western para contar o conto de um homem desejado, não pela lei, mas por “forças do mal”. As letras lembraram uma faixa anterior intitulada “Keep on Moving” sobre um homem procurado e lançado pelos Wailers enquanto eles estavam com Lee Perry. O LP foi caracterizado pela sua variedade, das raízes pesadas de “Coming In Hot” (que usou mais imagens do West Wild), ao salto de “Wanted Dread and Alive” para o rockeiro “Oh Bumbo Klaat” “. “Coming In Hot” é realmente uma vitrine para as habilidades de Robbie Shakespeare uma vez que o baixo conduz a música e lhe dá o seu ímpeto. O mesmo poderia ser dito sobre “Reggaemylitis”, uma música cujas letras são apenas um pretexto para que a banda de Sly e Robbie segure as pontas. Havia também uma trilha R’n’B com “Nothing but Love”, um dueto com o cantor jamaicano Gwen Guthrie, que também foi lançado em 12 polegadas e que, obviamente, estava voltado para o mercado americano.

Na verdade, o LP foi lançado em duas versões diferentes, com o lançamento americano com três músicas que não estavam no europeu: “The Poor Man Feel It”, “Cold Blood” e “That’s What Does Do Will”, três reggae pesados, em que “Cold Blood” era a jóia da coroa. Esta música ecoa o “Judge Dread” de Prince Buster e coloca os Rastas contra as forças da Babilônia simbolizadas pelo sistema judicial. A introdução falada apresenta um juiz perguntando ao réu para repetir as palavras “Então, ajude-me Deus” e o Rasta repete obstinadamente “Então ajude-me!” para o horror do juiz. “That’s What they Will Do” lida com o mesmo tema de “Guide Me from My Friends”, a faixa lançada na versão européia e reflete a visão pessimista e sombria de Tosh sobre a raça humana: seus amigos, no final, o trairão.

Mas as duas faixas notáveis que foram lançadas nas duas versões do álbum foram “Rastafari Is” e “Fools Die”. O primeiro é um canto rastafari na veia do “Rastaman Chant” dos Wailers ou o “Bongoman” de Jimmy Cliff, além de ser uma vitrine para as habilidades de Tosh como percussionista também. O desempenho da guitarra também é bonito. “Fools Die” é talvez uma das peças mais negligenciadas no repertório de Tosh e é uma balada tranquila e meditativa sobre sabedoria e vida em geral. A instrumentação, baseada em teclados e flautas, cria um humor melancólico que se adapta muito bem às letras (“Os lábios dos justos ensinam muitos, mas os tolos morrem por falta de sabedoria”, Provérbios 10:21). Na verdade, esta é uma antiga música de Wailers registrada no final da década de 1960 e que ressurgiu como “Stiff-Necked Fools” de Marley no LP Posthumous Confrontation (1983).

No geral, Wanted Dread and Alive caracterizou-se por um lindo número de Sly e Robbie, os grandes arranjos de trombetas de Mikey Chung e harmonias ajustadas pelos Tamlins, apresentando uma mistura eclética de R’n’B, reggae pop e roots. A versão americana teve ainda uma seleção mais forte, e pode ser por isso que o álbum não foi tão bem recebido na Europa.

Tosh então tirou uma pausa de dois anos de gravação, retornando em 1983 com a Mama Africa e um enorme sucesso internacional, uma versão reggae do “Johnny B. Goode” de Chuck Berry. O álbum foi muito forte, com um som pesado embora pop em músicas como o cover de Chuck Berry, “Not Gonna Give It Up”, “Glass House” e “Feel No Way”. Mais uma vez, os arranjos de trombeta foram ótimos e houve um maravilhoso trabalho de guitarra do vigoroso americano blues Donald Kinsey (o solo em “Johnny B. Goode”) e o músico de estúdio jamaicano Steve Golding. A faixa-título foi uma surpresa para os ouvintes do reggae, já que devia mais ao Afro-Beat do que ao reggae de raízes, mas isso era inteiramente apropriado, dado o tema da canção. Uma das faixas mais destacadas foi o “Peace Treaty” no qual Tosh comentava o resultado do Movimento da Paz de 1978, que culminou no One Love Peace Concert. Tosh voltou aos mesmos temas que ele desenvolveu em sua diatribe de 1978 e afirmou categoricamente que todas as pessoas que assinaram esse tratado em “Killsome City” estavam agora “no cemitério”:

“Você se lembra do tratado de paz
Que eles assinaram em Killsome City?
Você se lembra do tratado de paz
Que eles assinaram em Killsome City?
E agora este tem uma arma, aquele tem uma arma,
Quando ele se arruina, Senhor, Babilônia corre, ele corre.
Aquele tem uma arma, e este tem uma arma,
Quando isso dá errado, Senhor, o soldado corre …
os que assinaram esse tratado de paz agora descansam em paz
no cemitério.”

O LP também apresentou duas novas versões das antigas músicas de Tosh, “Stop That Train” e “Maga Dog”. O lançamento de Mama África foi seguido por um período de turnês extensivo durante o qual Tosh tocou em todo o mundo com uma guitarra em forma de M16.

Quatro anos se passaram antes do lançamento de seu último álbum, No Nuclear War, em 1987. Poucas semanas após o lançamento do álbum, Peter Tosh foi assassinado em sua própria casa junto com dois de seus amigos. Seu esforço final teve revisões mixadas no momento e o consenso parecia ser que era lento, chato e não muito inovador.

No entanto, vinte e dois anos depois, o álbum ainda é muito audível e, embora não tenha atingido as alturas dimensionadas pela Mama África, ainda tem seus momentos. A única faixa que era definitivamente dispensável é a própria faixa-título, que nunca decola. “In My Song” sofre o mesmo destino, com uma “melodia” sem inspiração e uma faixa de ritmo. Mas há algumas músicas muito boas nesse álbum, como “Nah Goa Jail” e “Vampire”. A primeira repete o tema desenvolvido em “Legalize It” e “Bush Doctor” e basicamente é um apelo à legalização da maconha e a uma maior tolerância por parte das autoridades. O canto é bastante inspirado e a faixa tem um salto que o impulsiona. “Vampire” é uma nova versão de uma música que Tosh lançou em 1976 na Jamaica como um 45, mas que antes nunca havia sido divulgado ao público geral, não jamaicano. É muito convincente e tão bom quanto a versão original. “Lesson in My Life” é uma música filosófica que Tosh já gravara nos dias de Bush Doctor, mas que não chegou à versão final desse álbum. Dado que Tosh foi assassinado algumas semanas após o lançamento do álbum, a faixa tem hoje uma qualidade estranha, como se o cantor estivesse fazendo um balanço de sua vida e configurando sua própria casa antes de sair deste mundo. As duas faixas finais, “Testify” e “Come Together”, mostram dois lados contrastantes de Peter Tosh. Na verdade, “Testify” é uma música de reggae rocking roots em elogio de Haile Selassie, impulsionado por um ótimo ritmo e excelentes arranjos. “Come Together” é uma canção de boa vontade sobre a necessidade de mais amor neste mundo e mais unidade: se os animais se unem, por que os seres humanos não podem fazer o mesmo?

No Nuclear War não foi o maior trabalho de Peter Tosh, mas com músicos como Santa Davis, Keith Sterling, Steve Golding, George Fullwood e Tyrone Downie emprestando uma mão, merece uma re-escuta. A seção de trombetas (Dean Fraser, David Madden, Nambo e Chico, aka Rass Brass) brilham na “Nah Goa Jail”, e Keith Sterling e Tyrone Downie forneceram suporte adequado ao teclado. A voz de Tosh ainda era muito boa e poderosa, como pode ser julgado por sua performance em “Testify” e “Come Together”.

Poucos anos depois de sua morte, havia sinais de que Peter Tosh havia adquirido o status de culto com um documentário feito por Nicholas Campbell em 1992, Stepping Razor: Red X. Em 1996, o rótulo Heartbeat lançou uma compilação intitulada The Toughest, que reuniu O lançamento de Peter Tosh’s Studio One com músicas como “Hoot Nanny Hoot”, “The Toughest”, “Maga Dog” e o “Rasta Shook Them Up” baseado em calypso. Em 1997, a Columbia lançou Honorary Citizen , um conjunto de três CDs temáticos ilustrados, um que contém singles jamaicanos raros, outro baseado em “hits” e um terceiro CD editado ao vivo gravados durante uma turnê americana. O CD de singles jamaicanos é, de longe, o mais essencial com faixas raras como “Pound Get a Blow”, “Here Comes the Judge”, “Mark of the Beast”, “Can not Blame the Youth” e “Dracula”, o efeito -carregado da versão dub do single “Vampire” de 1976 mencionado acima. Todas essas faixas só estavam disponíveis em lugares difíceis de encontrar discos 45’s antes.

Em 2000, o famoso One Love Peace Concert foi disponibilizado para o público-consumidor de reggae (Live at the One Love Peace Concert, JAD Records, 2000). Em 2001, a Sony lançou uma ardente apresentação de Tosh de 1976 em um CD intitulado Live and Dangerous – Boston 1976, que apresentava uma música muito rara de Tosh (“Babylon Queendom”) e em 2002, novas versões remasterizadas de álbuns de Peter Tosh com interessantes faixas extras eram disponibilizadas para uma nova geração de fãs pelo selo EMI.

Em 2004 Universal trouxe Black Dignity, outra compilação de material raro. Assim, o arquivo Tosh está agora disponível para o público mais comprador de registro e o lugar de Peter Tosh na história do reggae está bem seguro.

(Artigo originalmente publicado no sie fourios.com.)


Peter Tosh: Um olhar retrospectivo ao homem, sua música e seu legado (por Stan Evan Smith)

“Eu quero que as pessoas se sintam sensíveis à música … se você não está ouvindo a mensagem da música, é como um tolo dançando para a calamidade” … Dança tola para promessas confortáveis “- Peter Tosh

Peter Tosh nasceu em 19 de outubro de 1944. Em 1987, um dos maiores artistas do reggae e da música mundial, uma das vozes mais articuladas e influentes, foi silenciado pela arma de um assassino.

O governo da Jamaica ainda não o honrou com um prêmio nacional por sua monumental contribuição para o desenvolvimento da música reggae da Jamaica. Sequer eles consideraram oportuno destacar suas conquistas. Tosh foi recentemente perfilado nos Estados Unidos na National Public Radio. NPR é o equivalente da BBC na Inglaterra. Ele recebeu muitas honras de todo o mundo, incluindo um prêmio Grammy nos Estados Unidos pelo seu oportuno álbum de 1987 “No Nuclear War”. O álbum refletiu suas preocupações sobre a tensão da guerra fria entre os Estados Unidos e a União Soviética. Foi oportuno porque em meados da década de 1980 a Europa entrou em erupção em protestos massivos contra a decisão do presidente dos Estados Unidos, Ronald Reagan, da primeira-ministra britânica, Margaret Thatcher, e da OTAN de implantar SS20, Pershing 2 e Cruise Missiles na Alemanha Ocidental. Nos Estados Unidos, o “Sol de Reggae” também tornou-se como um ícone para as cidades onde a maconha é despenalizada, como Atlanta, Brooklyn, Nova York (ele foi aceito na escadaria City Hall com seu “baseado” a reboque) e também na Nigéria.

A história da música reggae – ou a história do reggae e sua importância – está invariavelmente e inextricavelmente ligada aos Wailers: Peter Tosh, Bunny Wailer e Bob Marley. Eles sozinhos transformaram a música popular, no sentido de que ela poderia ser um instrumento de libertação. Como os Wailers, eles criaram uma musica complexa, a música reggae, e redefiniram a cultura popular, deslocando o foco das palavras e da melodia para as preocupações com as realidades dos pobres e oprimidos e sua busca pela igualdade de direitos e justiça.

Peter Tosh, o artista musical e o rastafári pan-africanista, é um objeto de estudo fascinante em contraste, porque, como a maioria dos revolucionários, ele era um ser humano multifacetado e complexo. Na condição de artista autêntico que surgiu da cultura comum, a importância de Tosh enquanto figura mundial, para mim, ocorreu quando o primeiro artista reggae e, possivelmente, o primeiro artista ocidental que me lembro, se sobressaiu e depois nos educou sobre os males do apartheid como um sistema político. Em seu álbum Equal Rights (1977), Tosh detalha “a desumanidade do apartheid”. Com seu mantra de “Igualdade de direitos e justiça”, Tosh desafiou a comunidade mundial a acabar com o apartheid. Mais importante ainda, isso ocorreu antes do apartheid se tornar um problema político na moda. Muitos ficaram surpresos com o conhecimento de Tosh sobre essa questão impopular tão cedo antes que esta questão penetrasse a consciência pública.

Eu tive a sorte de produzir e hospedar quatro retrospectivas sobre a vida e os tempos de Tosh em “Reggae Roundtable” impulsionada por Habte Selassie em seu programa, Labrish, que foi exibido no WBAI 99.5 FM em Nova York. Os convidados incluíram o ex-líder da banda de Tosh e o Presidente da Jamaica Association of Artists and Performers, Steve Golding, o poeta Oku Onuora, o músico / produtor Sly e Robbie, ex-gerente e palestrante, Herbie Miller, musicologista e Diretor de Reggae Programming na XM Satellite Radio , Dermott Hussey (que visitou o Brasil com Tosh em ’83), Fikisha Cumbo (que teve uma associação de nove anos com Tosh e é autor de ‘Get Up Stand Up: Bob Marley e Peter Tosh’) e o radialista Karl Anthony. Uma compreensão mais profunda dele e de seu trabalho poderia ajudar a conceder a Tosh o seu lugar legítimo na história. Peter Tosh deve ser homenageado. Peter Tosh foi pioneiro musical, músico multifacetado, cantor, cantor, compositor e artista. O escritor Mat Cibula descreveu Tosh como “verdadeiramente um dos grandes letristas dos tempos modernos”. Ele também era um autêntico artista revolucionário político cuja ideologia política era o nacionalismo negro ou o pan-africanismo. Tosh abraçou suas visões rastafari em sua música. Descrito pela revista Rolling Stone como Malcolm X do reggae, Tosh foi comparado a John Lennon por seu cinismo e o uso artístico do jogo de palavras. No entanto, de acordo com Matt Cibula, “os fracos e passivos Monty Pithonismos de Lennon se empalidecem ao lado da sagrada ira de Tosh”. Peter Tosh foi forçado a trabalhar contra as críticas e mal-entendidos de sua própria gente que não reconheceu sua conquista e grandeza.

Embora Peter fosse claro sobre o que desejava ser as implicações de seu trabalho, isso era muito menos óbvio para alguns de seus críticos, porque eles não podiam interpretá-lo ou porque optaram por não explorar com grande profundida Tosh, o homem e sua missão. Uma alma intencionalmente melancólica de um artista, Tosh, era um caldeirão ferrífero de raiva negra justa para sua geração oprimida. O foco central de seu ativismo musical eram os direitos humanos. O discurso virulento e incendiário de Peter no histórico ‘One Love Peace Concert’ em 1978 é um exemplo clássico. Foi, sem dúvida, um dos melhores momentos de sua carreira no palco.

Quão importante foi Peter Tosh na história da música e qual é a contribuição dele além do mundo da música? Tosh foi um artista sério e politicamente comprometido, tanto solo quanto como parte da tríade de reggae, os Wailers originais. Ele, Bunny e Bob, exerceram uma poderosa influência sobre a sociedade. A influência de Tosh extravasou da música para a política, religião, teologia da libertação, antropologia e cultura, tornando-se uma parte maior do que apenas a história da música. Tosh tinha uma compreensão finamente sintonizada e discriminatória de seu papel como homem político. Porque ele veio das entranhas da pobreza e da opressão, de um lugar que a professora universitária Carol Cooper descreveu na Village Voice: “O gueto na Jamaica é … uma área onde os negros vivem sem as conexões sociais para avançar a uma mobilidade ascendente. É aqui que os (1) “talentos inatos” … são “negligenciados e rejeitados por razões de cor ou pobreza”. Peter se preocupava em fazer pessoas pretas e oprimidas perceberem quem eram e, num determinado momento da história , como eles conseguiram estar onde estavam, e mais importante, onde eles precisavam ir e como chegar lá.

O infortúnio desse artista seminal, que era um dos gigantes da música, é que, em seu auge, sua voz ressonante foi silenciada quando tinha muito mais a dizer. Era um ativista político revolucionário profundamente espiritual, ainda que combativo e feroz, que estava pronto para morrer por suas convicções impopulares. Ecomplexo lutador da liberdade e artista guerreiro tinha poucos iguais em seu tempo. Ele permanece para muitos, uma figura salutar, incompreendida, controversa e complexa. Ele era uma figura controversa por causa de seu radicalismo político e sua incessante defesa da igualdade de direitos e da justiça social, bem como a legalização da maconha. O talento, a grandeza e a conquista musical de Tosh foram amplamente ignorados e sua música ainda não recebeu a aclamação que tanto merecia. Por que ele não é comemorado e honrado na Jamaica?

Apesar das realizações de Tosh como artista solo, sua voz e perspectiva raramente são escritas com a proeminência atribuída a Bob Marley. No entanto, seu trabalho foi igualmente importante e Peter é “tanto arquiteto de música reggae” quanto Bob Marley. Tosh resumiu a missão de sua vida desta forma: “O reggae é espiritualmente revolucionário, e a mensagem é divina. O conteúdo da mensagem abre os olhos das pessoas aos males do sistema … dentro da música são as sementes da destruição do referido sistema. Mas a música, como um germe, é contagiosa, por isso deve germinar e tudo o que os guardiões do sistema podem fazer é atrasar o processo … Isso deve acontecer! O sistema deve explodir em conflito, modificar para acomodar a pressão ou transformar-se para um novo dia “.

Seus críticos não escreveram muito não conseguiram fazer análises profundas das idéias e da filosofia de Tosh. Nem muitos procuraram ir além do fascínio pelo mito exótico do “selvagem nobre”. Tornou-se também “fácil de ser absorvido pela novidade da cultura de Peter Tosh e esquecer que ele tem suas próprias idéias” e também foi fácil de descartar a realidade de que essas idéias estavam enraizadas na filosofia política, cultural e religiosa. Como Carol Cooper observou na Village Voice, “Os críticos se entusiasmaram com as imagens e o espetáculo da música rastafari, sem nunca tocar o coração da mensagem”. Isso é parte do motivo pelo qual a mídia e outros raramente fizeram perguntas sérias sobre Tosh. Também não examinaram além de sua personalidade pública para descobrir quem ele era, ou o que ele estava tentando realizar. Tosh também era bem-versado, uma vez que ele estava articulado na defesa das questões que ele acreditava. Seu baterista, Santa Davis, declarou: “Peter costumava ler muitos livros, como coisas intelectuais, sobre lidar com o mundo”e, de acordo com o engenheiro Dennis Thompson,” a casa de Bush(como ele chamava carinhosamente de Tosh) estava sempre cheia de livros porque ele lia muito”.

Tosh teve uma compreensão inteligente e informada de questões mundiais que considerava importantes. Isso incluiu uma compreensão muito astuta do papel das questões de classe e raça desempenhadas na discriminação contra negros e pessoas oprimidas que vivem em lugares pobres na Jamaica.

Sly Dunbar, que gravou e fez turnês com a banda de Tosh na década de 1970, me contou em uma edição de 1996 do meu “Reggae Roundtable”, que ficou impressionado que Peter conhecesse o apartheid no início dos anos 70. “As coisas que Peter costumava falar, embora eu não entendesse naquele momento, todas elas aconteceram. Era como se ele conseguisse enxergar antes de todos nós”. Seu conhecimento do apartheid era tão completo, mas nenhum dos seus pares ou irmãos já havia ouvido a palavra, e muito menos sabia o que significava na época.

O questionário do crítico Stephen Davis a Tosh sobre a surra que ele tomou nas mãos da polícia jamaicana é um exemplo de como Little Tosh e o que ele estava lutando foram entendidos. Davis perguntou a Tosh se a polícia sabia quem ele era e o fato de que ele era celebridade internacional, o que implicava que isso de alguma forma poderia ter feito a diferença na forma como Tosh foi tratado. Peter respondeu: “você não precisa conhecer um homem para tratá-lo do jeito que ele deve ser tratado. Porque eu não… dirijo um Mercedes Benz, não me vejo exclusivamente diferente do resto”.

A implicação de Davis perdeu o ponto por assumir que, se a polícia conhecesse o status de Tosh, eles poderiam ter se inclinado a ser menos brutais. O que Davis não conseguiu compreender é que, naquela época, a escuridão da pele era tratada pela sociedade como um emblema de inferioridade e a cultura do direito da celebridade não era o que Tosh e sua revolução queriam. Para Peter, o fato de ele ser uma celebridade internacional não deveria ser a razão pela qual ele fosse tratado de maneira diferente. Ele viu sua missão como lutar pelo homem comum, do qual ele se via como parte. Aspirava também a que sua humanidade fosse afirmada. Em outras palavras, não é preciso ser uma celebridade para que seus direitos humanos básicos que lhe fossem concedidos.

Para que a arte seja válida, ela deve fazer uma declaração social ou avançar em tais conceitos de modo importante. A arte sem um contexto sócio-cultural é inútil; portanto, não pode haver tal artista que se separe de seu contexto social. A arte é a expressão dos artistas, de sua visão, contexto social e suas circunstâncias sociopolíticas e culturais. Langston Hughes, em seu ensaio “The Negro and the Racial Mountain”, escreveu sobre os obstáculos e a pressão que o artista negro enfrenta para ser fiel a si mesmo e à sua identidade racial. O artista negro, cujo trabalho, como todos os verdadeiros artistas, reflete suas experiências de vida, é forçado para a falsa opção de ser apenas um artista. Em uma sociedade racialmente discriminatória, a pele preta mostrou-se um impedimento à igualdade civil e social, as alegações de individualidade negra foram ignoradas e sua língua e cultura ancestral marginalizadas e suprimidas, o que cria o “impulso para a brancura”. Esta é a montanha que Tosh como um verdadeiro artista teve que escalar. Tosh era um artista das pessoas comuns e, através da afirmação de sua identidade cultural, ele nunca teve medo de ser ele mesmo. Ele estava confortável com a sua africanidade e ele conseguiu manter sua própria individualidade ao desenvolver sua arte, tornando-se um grande artista.

Comemoremos este grande guerreiro e pioneiro musical e esperemos que o governo da Jamaica o reconheça e o honre por suas conquistas. É hora de o governo da Jamaica reconhecer a importante contribuição de Peter Tosh como Príncipe Negro Rebelde da música reggae e sua distinção de estilista mais influente da música reggae, com uma honra nacional em reconhecimento à sua monumental contribuição para o desenvolvimento da música reggae da Jamaica.

(Artigo, de 19/10/11, foi originalmente publicado no site reggaevile.com)


Referências do primeiro texto

– Garnice Michael, “Bob Marley and the Wailers’ Mento Roots”, The Beat, Vol.25 #2, 2006.

– Steffens, Roger. Liner notes to Honorary Citizen. Columbia, 1997.

– Thompson, Dave. Reggae and Caribbean Music. San Francisco: Backbeat Books, 2002.

– White, Timothy. Catch a Fire – The Life of Bob Marley. New York: Henry Holt, 1983.

– Mordecai, Rachel. “‘The same bucky-massa business’: Peter Tosh and I-an-I at the One Love Peace Concert.” Kunapipi. Vol.XXX, no2 (2008).

– Steffens, Roger. Liner notes to Bush Doctor. CD. EMI, 2002.

– Steffens, Roger. Liner notes to Wanted Dread and Alive. CD.EMI, 2002.

– Thompson, Dave. Reggae and Caribbean Music. San Francisco: Backbeat Books, 2002.

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